Unsane - Wreck (2012)

"Viejos tiempos siempre fueron mejores", es lo que se suele decir. Echamos la vista hacia atrás y nos inundan recuerdos a la mente que nos crean añoranza y mescolanza, nos invaden una horda de imágenes de nuestra vida pasada que nos hacen preguntarnos cómo hemos llegado hasta donde estamos ahora.

Todo esto se perdería y se olvidaría para siempre si no fuera porque hay alguien atrapado en el pasado que siempre te recordará quién fuiste y de dónde vienes, ese alguien que marca la línea entre el hoy y el ayer y que cuando lo ves, irremediablemente piensas en ello. Ese alguien es Unsane, ese grupo que siempre acecha en las sombras como un ente que nunca muere, que permanece en el mismo sitio y que, impasible, ve cómo pasan los años para el mundo pero no para ellos.

Hablar de Unsane es como hablar de tu vida anterior, pues quieras o no de alguna manera han tenido que estar presentes en tu vida, inconscientemente o no de ello. Tan viejos como la muerte, y tan conocidos como ésta, este poderoso trío neoyorquino parece que no pasan los años para ellos, pues con su regreso tras el fantástico Visqueen con este nuevo trabajo siguen siendo tan primitivos como la primera vez que se dieron a conocer allá por los 90's, merced a un sonido sucio que da gracias a ello a estilos como el Hardcore Punk y el Noise Rock para conformar un auténtico androide oxidado, pero con tan mala hostia como siempre.

Con Wreck, Unsane demuestra que no se necesita cambiar las bases de uno mismo para sacar un disco gordo, y que se la sudan las evoluciones. Total, ¿para qué? nunca fueron dados a renunciar a su música y mucho menos a sus principios sólo para contentar a un mayor amplio de público. Lo que ellos crean debe convencer en primer lugar a la propia banda, lo demás es secundario. Ellos lo saben, pero más aún saben que, hagan lo que hagan, estará hecho con los suficientes cojones como para alegrar a todos.

Dicho esto, sólo queda hablar de Wreck, y creo que no me equivoco si digo que estamos ante uno de los primeros mejores discos que nos ofrece este año, pues es un no parar de temazos gordos, uno tras otro, todos ellos consolidados en un sonido cafre y arrastrado que no renuncia a una producción sólida en donde cada miembro es protagonista principal de esta película con su propio instrumento. Abriendo la caza con Rat, Unsane nos invita una vez más a ahogarnos en su fangoso mundo de la distorsión, merced a un trabajo con más matices rockeras hasta nunca vistas en la banda, pero sin salirse de sus dominios propios. No Chance demuestra lo expuesto con creces con un ligero toque rockero (y hasta Stoner me atrevería a decir), con un ritmo contagioso y acompañado de una armónica caótica que le da ese toque de grandiosidad al tema.

A medida que el disco avanza, Unsane va ganando puntos y adeptos con cada tema que va pasando, demostrando que con más de dos décadas a sus espaldas siguen conservando la misma energía de siempre, algo así como si fueran criogenizados para revivirlos cada vez que tengan que sacar disco nuevo. Pigeon, Metropolis, Ghost... no son más que un olor realmente familiar que a más de uno puede incluso arrancarle una lágrima mirando hacia el pasado. Pero si con esto no te ha parecido suficiente, o piensas que todo esto son pamplinas, espera a llegar a Stuck para cambiar de opinión y pensar cuán erróneo estabas, pues detrás de este título existe un auténtica maravilla sonora con regusto Blues y Country en sus dosis justas, una auténtica balada del Salvaje Oeste tocada por mentes perversas.

Y no sólo eso, sino que además el trío se atreve a cerrar el disco con una versión del Ha Ha Ha de los Flipper, versión que han violado y sodomizado para volverla más demente y así transformarla en una maravilla de lo realmente enfermizo.

Completamente compenetrados formando un uno solo, Unsane vuelve para demostrar que, con las ideas claras, se puede seguir siendo uno mismo y no caer en el olvido. El pasado más presente que encontrarás jamás.



Puntuación: 10/10

Hail Spirit Noir - Pneuma (2012)

Ya sé que lo que voy a comentar es marear la perdiz, o repetir lo dicho y lo conocido mil veces, pero uno no puede evitar mencionar (una vez más) la especie de "guerra" que se ha declarado en la música hoy en día entre grupos que desean llevar el pasado al presente y seguir viviendo en éste, reviviendo estilos como el Thrash o el Death Metal de la vieja escuela, y grupos que buscan ser la generación que sucederá a los dinosaurios que poco a poco se van extinguiendo con el paso de los años y que suponen la vergüenza ajena de los primeros. Es curioso ver cómo se tiran piedras unos a los otros y se disgregan en dos grupos bastante "cómicas": los trues, y los modernos. Sí, puede ser demasiado simplón lo que digo, pero no creo que se aleje de la realidad que puede ver uno tanto en la calle como a través de las redes. Es así, no hay más que darse un paseo por los sitios exactos para darse cuenta de ello.

Sin embargo, hay algunos grupos que, lejos de querer irse a un extremo o a otro, deciden coger ambas partes y fusionarlas, de modo que no se pueden poner ni en un lado ni en otro: mantienen elementos que hicieron grandes a ciertas bandas hacia atrás, pero presentan un sonido más propio de la actualidad que presenciamos. Bien podría ser, en cierta medida, el caso de algunos grupos que han mezclado elementos tan dispares como el Black Metal, el Rock progresivo y la psicodelia. Nachtmystium y Oranssi Pazuzu son un buen ejemplo de ello y que casi se podría decir que encabezan esta derivación de todas estas ideas, cada uno a su manera.

Pero incluso dentro de toda esta amalgama de elementos, este grupo que surge de la más absoluta nada consigue marcar estos aspectos hasta el punto de dejar bien claro a qué nos referimos cuando hablamos de fusionar Black Metal con Rock psicodélico. Hail Spirit Noir nace en 2010 en el seno de la revuelta Grecia, formado a partir de miembros de Trascending Bizarre?, y con el único propósito de hacernos trasladar a varias épocas de la música, de manera que andaremos tanto por la retrospectiva del Rock de los 70 como andaremos sumergidos en el caos del Black Metal más experimental, y con guiños a las bandas antes mencionadas. Para que os deis cuenta de a qué nos estamos refiriendo, Hail Spirit Noir es lo que habría sido Iron Butterfly si hubieran existido en una época más remota y le hubieran dado por darle al Black Metal, así, tal cual. ¿Demasiada bizarra la comparación? Bueno, veamos si estamos en lo cierto o no.

Ya comenzando con Mountain Of Horror nos percatamos de la primera característica que confirma lo dicho: los teclados a cargo de Haris, principal razón por la que la banda muestra esos elementos tan de los 70's, agudizados por los ritmos de Theo a la guitarra y su portentosa manera de combinar voces rasgadas propias del Black Metal con otras más calmadas y limpias propias del Rock primerizo. No sólo esto, sino que en cuestión de segundos pueden pasar de estar adentrándose en los misteriosos mundos de la psicodelia y el progresivo como pueden directamente lanzarse a tiro hecho con riffs ultra-sónicos con batería a cargo de Giannis como músico de sesión mientras pasan de largo pequeños elementos que van desde teclados cargados de LSD hasta pequeños momentos de bajo bebiendo del puro Jazz. Y todo eso en un mismo tema.

Ya a partir de Let Your Devil Come Inside empieza a manifestar mucho más los guiños a las bandas de Rock de antaño, con un comienzo muy evocador al Heavy de los Iron Butterfly, mientras se ahogan poco a poco en la oscuridad del Black Metal y pasando en momentos puntuales a éste por completo. De esta manera, se mantiene un equilibrio casi perfecto entre unos y otros estilos en la misma banda, algo que se puede presenciar en When All Is Black, donde van fluctuando entre unos sonidos y otros para conseguir un resultado impecable, y que se multiplica en tres con la llegada de Into The Gates Of Time, con un comienzo muy clásico, guitarra acústica en mano y convirtiendo el tema en una batalla entre cuál de las dos caras de la banda vencerá a la otra, pasando de momentos gloriosos de puro Rock a riffs matadores de Black Metal y pasajes cálidos y delicados en donde el teclado nos llevarán a un vórtice de locura en donde nada es lo que parece ser. Y ya por último, Pneuma cierra con Haire Pneuma Skoteino, quizás el tema que más elementos de Black muestra e, incluso, de Folk Metal en momentos muy puntuales, nunca sin olvidar la otra faceta que los hacen únicos y, sobre todo, curiosos.

Una verdadera sorpresa, llevando estos elementos a un nivel que ni Nachtmystium ni Oranssi Pazuzu se habían atrevido a tocar. Pero Hail Spirit Noir lo han hecho, y éste es el resultado de experimentar con lo ya visto. Disfrutad del mejunje.



Puntuación: 10/10

Mr. Peter Hayden - Faster Than Speed (2010)

Cuando un grupo tan extraño como Mr. Peter Hayden toca a tu puerta y te ofrece algo de su universo, uno puede hacer dos cosas: o dudar, o lanzarse al vacío. En mi caso he de reconocer que he dudado por un instante de lo que me encontraba ante mí, pero aún con todo, he decidido lanzarme a la piscina como el que más para zambullirme en la más absoluta nada. Y dicen que de la nada sale el todo, y es cierto, esta banda puede afirmarlo con total rotundidad, pues de un sonido tan apagado en principio, casi saludándose con el silencio, surge una auténtica supernova que da como resultado a todo un mundo mágico.

Surgidos de la propia Finlandia, Mr. Peter Hayden hace gala de un dominio de la música en el sentido más artístico que desde luego no tiene nada que envidiarle a nadie, ni siquiera a sí mismos. Con Faster Than Speed dan buena cuenta de ello, y a pesar de que resulta irónico el nombre del álbum frente a lo que nos vamos a encontrar (porque hay que decirlo, resulta irónico después de todo), lo que confronta Faster Than Speed es toda una experiencia. Bien podría decirse que casi es como una sesión jam, pero a lo grande, pues nos enfrentamos a 2 temas de nada menos que de 33 minutos aproximadamente cada uno de ellos, llegando a más de una hora, en donde nos irán introduciendo en continuos elementos ambientales y posicionados en un Rock muy pasajero, espacial, casi Post-Rock pero sin serlo, con varios ramalazos de Jazz pero asentados en una base completamente atmosférica.

Así, entrando de lleno en el disco, Smoke In Space hace total justicia a su nombre, pues comenzando casi en el absoluto silencio y desarrollándose poco a poco con la introducción paulatina de los instrumentos, volviéndose cada vez más y más envolvente, nos irán dinamitando de manera inconsciente con pequeños cambios que casi no apreciará tu subconsciente y detallitos que adornan y conforman este mundo de psicodelia absoluta. Y casi a mitad de tema, pasado un buen tiempo, seremos testigos de un cambio colosal hacia una vertiente de donde emana un aura muy propia del Sludge, pero aderezado con toques de Jazz que se entremezclan junto con todo lo establecido hasta ahora para dar resultado a una hecatombe atmosférica que te ahogará con todo su esplendor, todo para volver a sumergirse en pasajes completamente relajados y dar paso al final con unos riffs muy marcados y elaborados que bien se encaminan hacia un paso más propio del Math Rock por momentos.

Ya su siguiente tema comienza casi igual que su antecesor, solo que con la peculiaridad de que se muestra más encaminado a la dureza del Sludge en un sonido más crujiente y marcado, con una batería más poderosa y una guitarra más poderosa que no piensa parar ante nada ni ante nadie, pero sin dejar nunca de lado la recreación y la inspiración para dar fruto a unos emotivos y cautivadores paseos por la tranquilidad, en pos de jugar con ciertas texturas y capas sonoras que dan forma a todo este conglomerado de pasillos y entrecruzados que llevan todos a un mismo camino: a hacer levitar al oyente hasta lo más alto, para poder percibir todo lo que le rodea con total claridad. Aviso de antemano que este tema presenta una parte en donde convierten la distorsión en tu peor pesadilla, así que cuidado con cascos/amplificadores de turno, no sea que os estallen hasta tal potencia, pasando así a un riff bastante emotivo mientras pequeñas piezas propias del Jazz más relajado hacen acto de manifiesto hasta el final de esta infinita travesía.

Con el único inconveniente de pecar de casi infinitos pero para nada cansinos, Mr. Peter Hayden se presentan como un torbellino invisible que arrasa con todo, pero sin apenas notar su presencia. Si los magos se dedicaran a la música, harían cosas como lo que presenta este Faster Than Speed.

Puntuación: 9'5/10

La Dispute - Wildlife (2011)

No hay nada como el fin de semana, desde luego: llegas, tiras todas tus cosas en la cama/sofá/donde sea, y lo acompañas con tu cuerpo cayendo violentamente sobre el confortable colchón de turno, apagándose todos tus sentidos, relajándose todos tus músculos, despejando completamente la mente. Y entonces, enciendes tu reproductor y te pones algo que acompañe la situación, que te fulmine definitivamente con una bocanada de relajación absoluta.

Y la misión de hacerte olvidar de todas las preocupaciones le ha tocado a nada menos que a lo nuevo de La Dispute, una de esas bandas que a día de hoy podría considerarse todo un referente en el Screamo actual (el de verdad, no en el que muchos meten erróneamente a grupos de Post-Hardcore (erróneamente una vez más) con Metalcore, tecladitos y toques electrónicos) por su particular manera de hacer las cosas, pero más aún de verlas. Formados en las inmediaciones de Michigan en Estados Unidos, este grupo siempre se ha caracterizado por un Screamo que apuesta más por la emoción sonora que por la complejidad o toda técnica que se precie, de la cual no carecen a pesar de ello. Todo ello se forma mediante una fusión del mejor Screamo, el Post-Hardcore y animados (o entristecidos, según como le den) momentos rockeros, dando lugar a algo muy propio, casi espiritual, dentro de un marco en el que trazan un lienzo perfecto.

Su mayor victoria llegó con el lanzamiento de Somewhere At The Bottom Of The River Between Vega And Altair, en donde dejaron atónitos a muchos con un disco lleno de maestría, variedad y, ante todo, emoción, emoción por los cuatro costados, ganándose así el beneplácito de ser una de las mejores bandas del panorama que recorren actualmente. Por ello, no es de extrañar que la llegada de su nuevo disco Wildlife caldeara el ambiente, y más lo que se podía empezar a visualizar (y escuchar) por la red.

Pero aquí está, entre nosotros, dispuesto a adentrarnos una vez más en sus pasajes inmensos. Lo primero que hay que considerar es quizás hasta lo más obvio: uno no puede esperar que Wildlife esté a la altura de su predecesor, y mucho menos que lo supere, pues su antecesor está muy por encima de cualquier cosa. Podéis pensar que es injusto, y es posible que así sea, pero es lo cierto, Somewhere At The Bottom Of The River Between Vega And Altair es uno de esos discos que no se pueden repetir, va más allá de todo lo conocido, y por ello no se puede comparar con este trabajo porque sería como comparar a un maestro con su aprendiz. Aún con todo, La Dispute también lo sabe, y para ello nos ofrecen algo en una dirección diferente, pero sin cambiar de sentido. Más allá de los temas animados que presentaban en sus anteriores trabajos (incluido Vancouver), Wildlife se centra más en el aspecto emotivo, tratando en todo momento de hacernos transmitir algo profundo, y es por ello que se preocupan incluso más que anteriormente en los aspectos melódicos que en brindarnos unos momentos muy marchosos como podían ser en temas como Damaged Goods.

Así pues, temas como King Park dejan patente una vez más la capacidad de esta banda de arrancarnos un pedazo de corazón para dejarnos completamente vacíos, aunque hay que admitir que es un disco al que hay que ir pillándole el punto, no es algo que entre a la primera, y no creo que tampoco sea la intención de ellos, sino la de apreciarlo cual arte de museo que contemplamos detenidamente. Eso sí, temas que impacten a la primera los hay, y un buen ejemplo de ello es The Most Beautiful Bitter Fruit, con una emoción y a la misma vez una energía como pocas veces hemos apreciado en ellos.

Y una vez más, todo el peso recae en Jordan Dreyer, cuya manera de recitar los temas siempre ha sido el sello distintivo de la banda, y aquí no será menos, demostrando lo que puede llegar a transmitir su voz, ya sea en A Departure, Edward Benz, 27 Times o A Broken Jar.

Creo que hasta puntuarlo sería injusto, pues las sensaciones no es cosa de números, es cosa de lo que siente cada uno, pero aquí estamos, siendo contrarios hasta con uno mismo.



Puntuación: 7'75/10

Today Is The Day - Pain Is A Warning (2011)

Quién le iba a decir a uno que este año nos brindaría nada menos que lo nuevo de un peso pesado como puede ser Today Is The Day. Convirtiéndose con el paso de los años en todo un referente de la enfermedad y lo malsano a efectos musicales, este proyecto perpetrado por el demente de Steve Austin se ha columpiado siempre en su particular parque de atracción podrido y abandonado donde la oscuridad y lo oxidado se torna en un putrefacto sonido que haría enloquecer hasta al mismísimo Diablo. Varias son las joyas que ha facturado la mente de este hombre, entre ellas la que ya se comentó en su momento aquí, y después de Axis Of Eden, maravilla de unos y decepción de otros, nadie sabía con qué nos vendría la próxima vez que volviera a pisar un estudio... hasta ahora, que finalmente ha concebido su nuevo retoño, bautizado como Pain Is A Warning, y que desde luego es, como mínimo, anecdótico.

Contando en esta ocasión con nada menos que Curran Reynolds y Ryan Jones, batería y bajista respectivamente de la banda Wetnurse, Steve Austin parece que le ha pasado algo que nadie jamás se habría esperado de él. Como bien diría el compañero Eraser de The Elementary Revolt: Steve se nos ha enamorado. Y es que, por extraño que parezca, Pain Is A Warning muestra el lado más rockero que nunca mostró Today Is The Day antes, donde seremos testigos de unos arranques de puro Rock y donde la vena más cabreada de Steve parece haberse deshinchado. Ésa es la sensación que a uno le surge al escuchar Remember To Forget o This Is You, temas en donde la paz y tranquilidad reinan de manera imperante hasta en la voz de Steve, al cual notaremos mucho más calmado que de costumbre (que ya es decir, y mucho).

¿Entonces, significa que Today Is The Day ha muerto? Para nada, que Steve se haya vuelto como un osito Teddy no quiere decir que toda esa enfermedad mental que destilaba antes no esté presente ahora, pues aún tiene munición suficiente que disparar (je...), del calibre de temas como Expectations Exceed Reality que da entrada al disco de la mejor manera que se pueda hacer, y con unas ondas de energía que irá lanzando contra tu mente para hacerla vibrar a 1000rpm, Death Curse con una pegada brutal y unos arranques que te destrozarán vilmente o el tema homónimo Pain Is A Warning, con una base rockera animada a más no poder, siempre con la voz esquizofrenoide de Steve presente.

Así pues, Today Is The Day no está muerto para nada, solo que su rumbo se ha desviado un poco de su trayectoria habitual, convirtiendo a Pain Is A Warning en su trabajo más asequible, y donde tampoco hay que quitarle méritos a Reynolds y Jones. Sobre todo al primero, el cual hace un trabajo impecable a la batería, dejando ambos bien claro por qué Steve los ha elegido para lanzarse en esta nueva encrucijada.

Si esperabas lo de siempre con esta banda, es posible que te ocurra lo mismo que con Axis Of Eden: que te acabe sorprendiendo y hasta gustando, o que te decepcione como pocos. En todo caso, Pain Is A Warning dará de qué hablar entre su círculo de conocedores, y a un servidor al menos le ha ganado en el pulso, obligándome a rendirme ante él una vez más.



Puntuación: 10/10

Primus - Green Naugahyde (2011)

Hoy es un gran día, sin lugar a dudas, porque levantarse por la mañana cargándose encima nada menos que el regreso de unas leyendas como Primus es como para alegrar hasta al más muerto. Y es que esta banda es de ésas a las que habría hacerle pleitesía y rendirle culto hasta el fin de los días, pues estamos hablando de toda una eminencia del Rock en todos sus aspectos, artífices del Fusion y del Rock más funkye, y que en su haber han dejado en constancia auténticos trallazos que a día de hoy muchos recuerdan con el puño en el corazón y una lágrima en la mejilla como Frizzle Fry (es escuchar John The Fisherman y ser poseído por una desconocida fuerza superior) o Tales From The Punchbowl.

Para muchos fue un dolor tremendo su separación en 2000, aunque no fue mucho que volverían a reunirse en 2003, eso sí, con muy poca actividad, más allá de dar varios actos en festivales y de lanzar un DVD/EP bajo el nombre de Animals Should Not Try To Act Like People, amén de un recopilatorio con sus mejores temas. Su actuación en el Azkena Rock Festival supuso la alegría de muchos, y del que parece que la gran mayoría salió con gran sabor de boca (maldita suerte de uno el vivir en una isla apartado de todo...).

Pues si eso no fuera suficiente para los presentes que estuvieron en dicho festival (y para todo el mundo en general), Primus vuelve, tras más de una década desde que saliera su último trabajo Antipop en 1999, a plantarse en estudio para hornear algo sabroso y fresco para que todos podamos degustar como posesos y volver a sentirnos llenos y satisfechos. Pero mucho antes de su salida oficial, alguien tiene el lujo de sacar del horno el pastel que todos esperábamos, y que han bautizado como Green Naugahyde. Y lo cierto es que es toda una delicia este postre, pues quién iba a pensar que tras muchos años en silencio, Les Claypool y los suyos aún tenían mucho que decir, pues su nuevo trabajo es toda una hostia en la cara para los insolentes que no esperaban nada de su regreso, porque esto es todo un ejercicio del buen hacer, de la elegancia musical y de la pura diversión. Con la friolera de 13 temas por delante, Green Naugahyde se planta como el disco de regreso que muchos matarían por tener, pues es como si la inspiración nunca se hubiera ido de ellos en todos estos años. Es más, diría que todo este tiempo les ha servido para ir puliendo todos los detalles y reforzando tuercas para que nada salga mal a la hora de su lanzamiento. En esta ocasión cuentan a la batería con Jay Lane, un tío bastante experimentado en este tipo de estilos a juzgar por su trayectoria. Claro, par alguien como yo habría sido redondo que volvieran a tener al batería con el que nos brindaron mejores momentos, ése es, Tim Alexander, pero tampoco lo hace nada mal Jay.

Uno de los aspectos que a uno más le ha llamado la atención de Green Naugahyde es que posiblemente sea uno de sus trabajos con un enfoque más "serio", por decirlo de alguna manera. Desde luego no te vas a encontrar temas con tanta fiesta como el que perfilaba Wynona's Big Brown Beaver, por poner un ejemplo, lo que no quita que tenga temas con mucha garra y enganche como HOINFODAMAN. Esto quizás se deba a su lado más progresivo, pues Primus siempre ha sido muy devoto del Rock progresivo setentero como King Crimson o Pink Floyd, el cual se hace muy patente en temas como Jilly's On Smack, donde hacen gala de una progresión y una psicodelia que ríete tú de las bandas que surgen hoy en día de Rock psicodélico. Eso, por no hablar también de la influencia tan clara que siempre han recibido de Mr. Bungle, y que se muestra claramente en temas como la bizarra Extinction Burst, con unos coros la mar de extraños.

Otra cosa que queda una vez más demostrado es que Les Claypool es un auténtico monstruo al bajo, el cual lo usa como si fuese una extensión más de su cuerpo, una extremidad, haciendo con él lo que le da la real gana, y que queda bien claro en temas como la magnífica Eyes Of The Squirrel, tema por el que muchos venderían un riñón y a su madre por componerlo. La manera de ejecutar con esa velocidad desorbitada y haciendo que se haga bien presente (como tiene que ser en toda producción Funk), hace que uno tenga que romperse las rodillas para rezar a este hombre que está a un paso de convertirse en una entidad divina. Añádele auténticos trallazos que retumbarán en tus oídos por su complejidad y por su grandiosidad como Last Salmon Man, y otros con un ritmo enormemente pegadizo como Lee Van Cleef o Moron TV, y ya tienes listo una maravilla más en la que sentarte a disfrutar.

Mucho van a tener que aprender otros de Primus para saber cómo volver por la puerta grande y plantarse un señor disco con dos cojonazos. Y sin inmutarse siquiera.



Puntuación: 10/10

Iron Lamb - The Original Sin (2011)

Hay veces que con sólo escuchar algo de toda la vida sobra y basta para disfrutar completamente de un día de puro regocijo, alegrarse la mañana y animarse para salir y hacerse con la calle. Normalmente volver a los orígenes nunca está de más, y volver atrás en el tiempo no es de antiguos ni renegados, sino de querer mantener el espíritu de antaño y recordar de dónde vienen todos aquellos que hoy en día disfrutan de la música que nos brindan las bandas actualmente. Quizás esto es lo que hayan pensado Johan Wallin (General Surgery), Grga Lindström (ex-Repugnant), Thomas Daun (Dismember) y Daniel Ekeroth (los Tyrant suecos), pues todos ellos han reunido fuerzas para crear un proyecto que los trasladen hacia el pasado y sentirse auténticos jóvenes desprendiendo energía y deseando realizar algo que nadie había hecho por aquel entonces todavía.

Y así, entre pitos y flautas, se forma Iron Lamb, con el objetivo de echar una mirada hacia atrás y mostrar una sonrisa de cabo a rabo que se vea desde el propio espacio junto con la Gran Muralla China, pues este proyecto es la resurrección del mejor Metal de los 80's. De hecho, ellos mismos se consideran como el hijo bastardo de Motörhead y G.G.Allin, y con razón, pues The Original Sin desprende una macarrería que ni los chicos de The Warriors. Mezclando el Heavy Metal punkarra y rockero de la banda de Lemmy con la mala baba de Allin, Iron Lamb nos devuelve hacia el pasado en 10 cortes de puro desfase musical, perfecto para tirar una taberna abajo. No esperes nada que no hayas oído antes, no esperes un nuevo descubrimiento sonoro... nada. Simplemente póntelo en tu reproductor, sal a la calle y siente que el mundo es tuyo, pues con temas como Dubious Preacher, Suicide! o Dead Inside te sentirás un auténtico rebelde con tu skate yendo en contra de la ley.

Y posiblemente saber quiénes están detrás de todo esto es lo que más impacta, uno no está acostumbrado a ver miembros de bandas tan bestias como las antes citadas haciendo cosas de este tipo. Pero aún con todo, se mueven como peces en el agua entre los temas, exhalando una bocanada de actitud macarra que te sabrá incluso a gloria.

Y ya, es todo cuanto necesitas saber. Todo lo que te queda por hacer es escucharlo y correr como galgo con su ritmo y velocidad cabalgantes, y el resto del mundo ignorarlo.



Puntuación: 7'5/10

Isolation - Closing A Circle (2011)

En primer lugar, y antes de comenzar, quiero agradecer a los miembros de Pitchline-Zine por haber confiado en un servidor para colaborar en su webzine, especialmente a Jonathan por ofrecerme la oportunidad de ello. Puede sonar pretencioso, ya, pero tenía que aprovechar el momento y agradecerlo, pues de lo que vengo a hablar hoy lo he descubierto gracias a ellos y sus reseñas, y nunca está de más agradecer, desde luego.

Centrándonos ya en lo que nos acontece hoy, tras esa portada tan sencilla e inspiradora a la misma vez, se encierra el debut en larga duración de unos alemanes bastante curiosos. Isolation se forma en 2004, y tras algunas demos, un EP y un recopilatorio, comienzan a pisar fuerte con un Split compartido con los ya extintos australianos Austere. Quizás esto les anima a, años después, lanzar su disco debut, Closing A Circle, con el propósito de sacar algo bastante personal.

Y vaya que si es personal, pues Closing A Circle comprende un sonido que se amolda entre el Black Metal depresivo, el Doom Metal y el Rock atmosférico propio de los actuales Anathema. Y aunque pueda parecer imposible, logran ser todo eso y nada a la vez, pues su música nunca llega a tocar los extremos que definen cada uno de dichos géneros expuestos, sino que se ven amortiguados y viven en armonía todos ellos, consiguiendo un efecto que muy pocas bandas llegan a obtener. Comenzando con Something And Nothing como carta de presentación, y continuando con el tema homónimo que recoge riffs de la "intro", Closing A Circle comienza con unos primeros temas con mayor presencia del Black, pero siempre bajo esa capa de sonido tan peculiar que acontece a la banda.

Sin embargo, a medida que el disco transcurre, se va volviendo cada vez más y más ambiental y tomando mayor relevo el Rock que el propio Metal en sí. Claro ejemplo de ello es Nomad, que para algunos que presten total atención, se darán cuenta de que en dicho tema toman bastante del sonido más relajado de Agalloch, algo que se nota en varios arreglos de guitarra. Continuando con One Day con unos ciertos toques de batería bastante peculiares, también nos daremos cuenta de que mayoritariamente las voces son limpias y relajadas. Es muy raro escuchar alguna voz rasposa en todo el disco, lo que no quiere decir que no existan, como en Fan The Flames, un tema que asombra por ser como una especie de "Rockandrollada" oscura por su peculiar ritmo animado, todo ello bajo el auspicio de ese toque entristecido de la banda. Tampoco se puede decir que el bajo sea manco, pues se nota claramente su presencia gracias a la producción y el derroche de genialidad que desprende en temas como Never Enough, There Will Be No Answer y The Wasteland.

Aún con todo, Closing A Circle es un disco que podría incluso mejorarse mucho más, y que si te coge en mal momento puede que se te escapen muchas cosas a apreciar. Pero no adelantemos acontecimientos, pues a Isolation le queda todavía mucho por perfeccionar, y estoy seguro de que aún tienen mucho más que decir. Son como esos personajes de cómic que siempre tienen un as bajo la manga.



Puntuación: 8'5/10

Verwustüng - Beyond The Watercolor Sunset, We Feel New Life (2011)

El ser humano, de manera simbólica, busca el sentido de la vida a través del valor que éste le atribuye a todo lo que le rodea: una buena casa, un buen coche, un buen puesto de trabajo... cosas insustanciales para el hombre. Y cuando todo ello lo pierde, el ser humano siente que lo ha perdido todo y que la vida no tiene sentido, cuando olvida de que aún tiene algo que vale más que todo aquello que el hombre ha creado: su propia vida.

La cuestión de la vida, el por qué de estar aquí, son preguntas y sensaciones que surgen en la soledad a raíz de cosas como lo que hoy viene a ser portada del día. Verwustüng es un estadounidense que vive a las afueras de San Francisco, en California, y el cual forma parte de otros proyectos surgidos recientemente como Airs. Aparte de ello, también comparte hueco en algún split compartido con otras bandas como los ya mencionados por aquí Sun Devoured Earth. Un split formado por proyectos de un solo miembro, vaya.

Las raíces de la música que realiza este hombre giran en torno al Black Metal, pero adornado con unas capas atmosféricas y de puro Rock depresivo minimalista que te harán focalizar toda tu atención en sus sonidos mientras éstos te agarran de la mano como un niño inocente y te arrastra hacia una luz blanca cegadora que lleva hacia un nuevo mundo, un mundo que jamás pensarías que existiría. Su nuevo trabajo, Beyond The Watercolor Sunset, We Feel New Life, es un largo camino a través de una serie de emociones que te irán invadiendo poco a poco a lo largo de toda la duración de este disco, resumido en un único tema que abarca todo ese trayecto que supone éste. Comenzando con una indulgente atmósfera que mece tu paz y tranquilidad mientras ésta se va desarrollando poco a poco, con un cierto regusto a la época atmosférica de Burzum, pero con un estado de gracia que lo hace mucho más noble y azul en su textura musical, empieza a manifestarse este fenómeno musical, y que va dando latidos cada vez más fuertes, con la introducción de voces agitadas y nerviosas, para, después de la calma, llegar la tempestad con un golpe directo y poco predecible de puro Black Metal que se apoya en el ambiente llevado desde entonces, y que se amoldan para conformar un sonido agresivo, pero hermoso a la misma vez, mientras gritos apagados aullan en la lejanía. Con ello, y tras varios minutos en donde a veces parece que todo va a estallar, rompe en completo silencio para brindarnos una sesión acústica triste, melodiosa, y a veces aventurada, que choca directamente con nuestras emociones al no esperarnos algo como esto para nada, rompiendo con todas las bazas escritas anteriormente, de la misma manera que sin previo aviso rompe en un último suspiro de rabia propia del Black, y en donde algunas melodías más propias del Post-Rock se enlazan con ésta para acabar en una tenue melodía final.

No sé ustedes, pero yo con cosas como ésta acabo apreciando mi vida un poco más mientras los días pasan sucesivamente, y hacen que valore ésta, pues no hay nada más hermoso que el vivir, pues ésta de por sí es una aventura a experimentar de principio a fin.

Puntuación: 10/10

Virus - The Agent That Shapes The Desert (2011)

El arte es algo que inunda la vida de los humanos, fruto de la inspiración, las ideas y creación de éstas. A lo largo de la historia, se ha podido separar ésta por edades en el concepto del arte: desde el Barroco al Renacimiento, o la Posmodernidad, al igual que otras épocas como el Cubismo, por ejemplo. ¿Se podría considerar la música como tal? Está claro que la música es arte, y como tal ha ido marcando la historia de la humanidad por épocas, en constante evolución, en constante flujo, cambio y renovación de sí mismo. Pero ¿se podría denominar la música como "barroca", "renacentista" o "cúbica"? Puede ser, ¿por qué no? Aunque no haya nada escrito, dicho o sentenciado de que sea así o no, la imaginación y las posibilidades son infinitas, y partiendo de la lógica no es descabellado pensar de que cierta música pueda representar una idea contemporánea a cierta época de la vida.

De hecho, existe un género totalmente fuera del concepto que tenemos de la música: el llamado vanguardista o Avant-Garde. No es la primera vez que hablo de ello, un género que se basa más en la idea que se desea plasmar que en la composición en sí, de manera que se hace más hincapié en las influencias de otras culturas en la música que en la simplicidad de su estructura, cosa que en este estilo no es así. Un buen ejemplo de ello es de lo que hoy vengo a hablaros, una banda que incluso antes de su origen, ya tenía una idea, ubicada en la banda que le precede y de la que provienen sus integrantes: Ved Buens Ende, un proyecto que buscaba expandir el sonido del Black Metal hasta límites insospechados, y posiblemente de las primeras que se atrevieron a realizar esto, con su disco Written In Waters que podría considerarse un disco de culto. Tras éste, surge Virus, alejándose de los estándares del Black Metal y centrándose mucho más en los sonidos enrevesados y con la tónica de los legendarios Mr. Bungle comandado por el omnipresente Mike Patton.

La extraña visión de esta banda noruega comandada por Carl-Michael Eide (más conocido como Czral, y miembro y ex-miembro de bandas de diversa índole como Aura Noir, Satyricon o Ulver) hizo que en 2003 lanzaran su disco debut Carheart en donde creaban un álbum conceptual basado en historias de perros y coches (?). Más adelante, sacan en 2008 The Black Flux, donde recalcan su música de diversos elementos que van por lo progresivo, atmosférico, Metal, Rock, Jazz y demás. Tras ello, dejan atrás el sello Season Of Mist, y deciden embarcarse en el lanzamiento de su nuevo disco por ellos mismos, hasta el punto de pedir donativos para la ayuda de su lanzamiento. Finalmente sale a la luz The Agent That Shapes The Desert, dejando claro una vez más que son capaces de comerse cualquier cosa. Bailando entre sus dos anteriores entregas, The Agent That Shapes The Desert vuelve a recalcar la capacidad e imaginación desorbitada de estos noruegos que se atreven con todo una vez más, mostrando nuevamente resquicios de Mr. Bungle, atmósferas esotéricas y extrañas incluso para los comúnmente habituados a ello, y la voz de Czral que una vez más se presenta como un hombre sentado en la cuneta de una carretera en el desierto fumando su cigarro con paciencia pero con pasión, y echando una gran bocanada de humo hacia el aire, y junto con ello sus ideas. Desde el primer tema homónimo hasta Call Of The Tuskers, Virus hará que una vez más te mantengas pegado a la silla para ser partícipe y testigo de todo un alarde de ideas e idas de olla que estallan como una supernova.

Así pues, Virus se enfrasca una vez más en una aventura que tú mismo tendrás que descubrir por propia cuenta, pues The Agent That Shapes The Desert es algo más que música: es arte.



Puntuación: 8'75/10

Iroha - Iroha (2011)

Muchas veces uno busca algo que haga que sus sentidos se agudicen y se potencien mil veces intentando encontrar algo que se salga mínimamente de lo normal, de manera que se demuestre que muchas personas buscan salirse de los cánones habituales de cada arte mundial para jugar con las emociones y percepciones humanas, e intentar explotar ciertos sentimientos del ser humano. Por poner un ejemplo, el puro Noise está claro que es ruido única y totalmente, lo cual hace que a muchos de los que escuchen proyectos como los de Merzbow sientan incomodidad y repudio hacia estos "sonidos", sensación negativa, pero sensación al fin y al cabo, y eso es lo que busca e intenta potenciar el Noise: ahondar en los miedos y las fobias del ser humano, intentar transmitir algo aunque sea simplemente rechazo, sin esperar ningún halago. Si se piensa de manera concienzuda esto, tiene su lógica.

En el proyecto del que hoy hablo (y que una vez más tengo que agradecer a Rise From The Ashes por el descubrimiento), se busca la paz y tranquilidad de una manera única y propia a través del sonido más pesado que pueda uno escuchar. Resulta paradójico que mediante la saturación a través del Drone se intente buscar una idea que intente alcanzar la absoluta calma, pero uno no tiene en cuenta otro género que juega mucho en el objetivo que se busca: el Shoegaze. Y aunque es seguro que no es la primera vez que se realiza algo así, sí es cierto que este proyecto consigue lo que se propone: calmar corazones. Iroha es una banda de Reino Unido formado por Andy Swan, miembro fundador de la banda Final en donde también se encuentra Justin Broadrick, ya sabéis, uno de los titanes que conforman el coloso Godflesh, y creador de la banda Jesu. De hecho, cuenta con uno de los miembros de los últimos citados, el bajista Diarmuid Dalton. Junto con Dominic Crane de la banda Rumblefish, se lanzan en la búsqueda de algo que pocas veces se haga, recogiendo elementos como el Shoegaze, el Drone, el Rock y hasta el Post-Metal (que se puede apreciar con total claridad en su último tema Iroha. Tal es la espectacularidad de este disco, que ha recibido grandes críticas de magazines como la RockSound y de personas como el mismísimo Dig Pearson (fundador del sello Earache, ahí es nada). Tras un EP bajo Denovali Records llamado Bittersweet, la banda lanza su disco debut homónimo con el mismo sello, y en donde la extraña fusión de los esquemas y sonidos propios de My Bloody Valentine y The Jesus And Mary Chain con la expansión del Drone hacen de Iroha que, si bien puede no convencer a algunos, no dejará indiferente a nadie. Partiendo de este punto, nos encontraremos rápidamente en una burbuja que nos trasladará hacia la más absoluta paz, en base a varios elementos que principalmente se asientan en el Shoegaze (y me atrevería a decir que incluso en ese pequeño término llamado Dream Pop) y que confieren de una atmósfera cristalina y brillante a la música que diseñan y trabajan. Se te hará la boca chorros de agua cuando escuches la grandiosidad de temas como Drifted que te hará preguntarte hasta qué nivel puede llegar a alcanzar esta obra.

Bienvenido a Iroha, donde los sueños se hacen realidad, y la realidad no es más que un mal sueño. Da gusto ver que la gente se esmera por hacer lo que ellos desean, y no lo que desearían otros ajenos a lo suyo. Ellos te lo dejan a su disposición, tú decides si adentrarte en su mundo o no.



Puntuación: 10/10

Earth - Angels Of Darkness, Demons Of Light I (2011)

Bueno, ya era hora de ir haciendo el acta para este disco que hoy nos concierne, y que ya había visto la luz desde el mes pasado. Sería hasta un insulto tener que estar hablando de Earth en sí, toda una institución y piedra angular de lo que hoy conocemos como Drone, sonidos minimalistas, y mucha, mucha distorsión y saturación es lo que siempre ha destacado a un hombre como Dylan Carlson a lo largo de estos años. Ya en su momento sorprendieron en última instancia con su disco The Bees Made Honey In The Lion's Skull, que trascendía a un toque más rockero sin dejar de lado el sonido amplio y envolvente de su música.

Este año, parece que la banda ha decidido crear una especie de saga en la que lanzarán algunos trabajos a lo largo de este 2011. Angels Of Darkness, Demons Of Light I es el primero de ellos, y que lucha por mantener en estado alto la salud de la banda merced a un sonido que se aproxima mucho a su anterior trabajo, pero con ciertos elementos nuevos. Para empezar, un cierto toque folclórico con el que bañan su densa capa sonora, y que poco a poco te va envolviendo.

Está claro que un disco como éste puede causarle una indigestión a más de uno, pero os aseguro que si se va prestando poco a poco atención a Angels Of Darkness, Demons Of Light I, se podrá ir apreciando esos pequeños detalles que van engrandeciendo a toda obra que se precie, porque a pesar de su apaciguado ritmo, existen muchos elementos que se pueden ir rescatando poco a poco frente a todo un mundo que encierra éste. Temas como Old Black y Father Midnight que muestran ciertas apreciaciones del Rock y del Folk en su concepto más esotérico se dan la mano conformando un único concepto en sí, y que poco a poco se irá abriendo a nuestros oídos como ese capullo de flor que espera paciente a la Primavera para poco a poco ir demostrando la belleza que irradia en su interior.

Gran disco, lleno de matices que se van enlazando poco a poco a medida que transcurre el tiempo. Si nunca has escuchado algo de Earth, tienes que tener una cosa muy clara en mente: su música está hecha expresamente para ciertas ocasiones de la vida. Si no te encuentras en ese momento, será mejor que no te atrevas con ello, pues seguramente acabes rechazando algo que alberga un enorme potencial.



Puntuación: 8'75/10

Hang The Bastard - Hellfire Reign (2010)

Bueno, siempre suele pasar que escuchas un disco del año pasado y que sientes la sensación de que podría haberse convertido en un miembro más que alistara en tu típico top de lo mejor del año anterior, y que te lamentas de que haya sido demasiado tarde. Pues, al final me ha llegado ese momento con este disco proveniente del anterior año, y que deja básicamente en paños menores a más de una banda, no sólo por la increíble y pasmosa joya en bruto ante la que nos encontramos, sino por su extraña mezcla. Me explico: estos chicos de Reino Unido presentan una alta devoción por el Doom tradicional y más oscuro, de ése que presenta un sonido gordo cual morsa en el desierto. Pero sin embargo, nos encontramos con que la banda presenta una enorme base asentada en el Hardcore. Entonces podríamos decir que es Sludge, ¿no? Pues no, ni sí, la respuesta es "sí... y no".

Hang The Bastard presenta ese sonido tan sucio y esos riffs tan fumetas propios del Sludge, pero sin embargo su sonido se fundamenta principalmente en el Hardcore, con algún que otro breakdown de paso de tortuga y con una potencia y pesadez en las guitarras y los riffs propios del Doom. La presencia del Hardcore es tan alta, que hace que se desvirtúen del Sludge como para clasificarlo únicamente de ello, aún teniendo en cuenta que dicho género surge de ambas ramas. Es como si a un átomo le indujeras tanta potencia de tensión que acabara separando sus electrones de su trayectoria, convirtiéndose en otra cosa... no sé si me explico.

Y aún a pesar de ello, la banda muestra ciertos toques rockeros propios de bandas como Turbonegro, por lo que no sería descabellado decir que son como una especia de Kvelertak versión Doom. Prueba de esas influencias tan de ir por los cañones del Colorado se puede apreciar en Snake Charmer, todo ello ante una voz completamente Hardcore emanada de las entrañas de Chris. Pero no nos engañemos, aquí lo que prima es esa simbiosis tan extraña de la banda entre el Hardcore y el Doom que se puede apreciar en temas como The Blackest Eyes, Genesis (los más propios de la escena de los mosh pit) o 1888, donde parece que estemos presenciando a unos Weedeater transformados en unos gorilas cabreados. Si bien la faceta más doomer se puede apreciar en temas como Earthmover o Goodbye Piccadilly (vaya título más cachondo), no se deja de apreciar la paleta de colores del Hardcore, y viceversa. Vamos, que mantienen un equilibrio entre tema y tema de la precisión de un profesional de la vela náutica.

Cañeros y raros a la misma vez (que no originales), con un extraña devoción por bandas pantanosas como Eyehategod, por decir un ejemplo. Hang The Bastard podría haber entrado tranquilamente en mi top de lo mejor del 2010 de no ser porque llega demasiado tarde a mis orejas. Parece que éste ha sido además de todo lo acontecido, el año de las bandas revelación. Y ésta, es una de ellas.



Puntuación: 10/10

Harvey Milk - A Small Turn Of Human Kindness (2010)

Este día ha sido bastante light. Entre el día oscuro, las clases aburridas y sin nada interesante por delante, y el sueño que venía agenciado conmigo, está claro que hoy no es de esos días en los que uno desee hacer nada (y más estando las Navidades cerca). Y como día gris que es, la música de hoy es también gris, y no por la portada precisamente (que también). Además, no sólo eso, sino que nos encontramos con lo nuevo de uno de esos grupos que hacen historia, directa o indirectamente.

Harvey Milk es una banda de Georgia (Estados Unidos) que nace en 1992, y que a partir de entonces comienzan sus andaduras dentro del Rock experimental con un sonido que varía continuamente a cada disco que lanzan, sabiendo renovarse y mutar cual insecto que pasa por sus diferentes etapas de metamorfosis, llegando a ser comparados con los míticos Melvins. Tomando el nombre de la banda del político y activista gay estadounidense del mismo nombre, la banda ha dejado a su paso discos que son auténticas obras trabajadas minuciosamente segundo por segundo como lo puede ser Courtesy And Good Will Toward Men. Sin embargo, en 1998 se separan, sin saberse nada nuevo de la banda hasta 2006 que retornan al estudio.

A Small Turn Of Human Kindness es, posiblemente, el disco más oscuro que han facturado estos yankees por mucho tiempo, y es que todo ese sonido rockero de antaño relajante es sustituido por una amalgama de géneros que abarcan el Drone, Doom y hasta Post-Metal. Para hacer una comparación odiosa, es como si Earth, Boris y Neurosis se enfrentaran entre sí, dando como resultado este nuevo disco cargado de un sonido pesado, abrumador y desconcertante, pero sin dejar de lado el espíritu rockero característico de la banda. A fin de cuentas, es lo que los define. Y en este disco no será menos, pues podemos encontrarnos elementos propios del Rock (e incluso el Stoner), como bien puede apreciarse en I Did Not Call Out, donde esas increíbles notas alimentan las almas de los caídos.

Los primeros temas, como I Just Want To Go Home y I Know This No Place For You, son posiblemente los temas más cargados de Drone del disco, y que viene acompañado por esa atmósfera y ese sonido tribal tan característico del The Eye Of Every Storm de Neurosis, amen de la voz de Creston Spiers que se asemeja aquí considerablemente a la del compatriota Scott Kelly. La comparación de este disco con anteriores trabajos de la banda no sólo supone una evolución de ésta, sino también toda una sorpresa para los habituales a esta banda, que pueden tomarlo como una nueva ofrenda, o como una decepción total. Yo la verdad es que me quedo con lo primero, el increíble potencial que desprende A Small Turn Of Human Kindness solo está a la altura de muy pocos, y que se planten sin miedo alguno con un disco que rompe todas las bazas de la banda hace que se merezcan todos mis respetos, y más si tengo que mencionar a I Know This Is All My Fault, bellísimo tema con un piano que, siendo tan simple, consigue cargar a éste de un sentimiento único e inigualable. Así, con dos cojones.

Me cuesta pensar de que esto sea obra de una banda como ésta, pero dados los hechos, no puedo hacer más que arrodillarme y postrarme ante esta obra magna y de incalculable valor. Día gris, sí, pero con cosas como ésta uno se siente hasta arropado y con color dentro de este día.



Puntuación: 10/10

Clutch

Clutch, o de cómo hacer música como dios manda. Es así de sencillo, son así de sencillos. Sencillos y efectivos. Nacidos en el año 1990 en Estados Unidos, Clutch es una de esas bandas que, hagan lo que hagan, siempre lo harán bien. Comenzaron como una banda Metal y con cierto toque Hardcore, digamos que Sludge. Así lo demostraban con su primer lanzamiento, el EP Pitchfork. Pero, cuando empiezan a transformarse en una banda rockera, es cuando empiezan a asentar su mayor personalidad, y su gran estatus musical. Con influencias como el Stoner, Blues y Funk entre otros, Clutch hoy en día es una banda de Rock con mucha variedad, ritmo, y fuerza.

Para que os hagáis una idea de la importancia que han ido cosechando, su penúltimo disco hasta ahora From Beale Street To Oblivion (uno de sus mejores discos, sin duda), fue producido por Joe Barresi, productor de bandas como los inolvidables Kyuss, sus descendientes Queens Of The Stone Age, o los grandes Melvins.

Clutch es el típico grupo que escucharías sonar en un bar de prestigio en el corazón de Nueva York, de ésos que se sientan en la esquina del escenario, cogen sus instrumentos y dicen: Hola, somos Clutch, y esperamos que disfruten de esta noche con nosotros.

Y si no, mirad: