Wildernessking - The Writing Of Gods In The Sand (2012)

La vida está llena de sorpresas, es algo indudable. De no ser así, nada de esto tendría sentido. Puedes tener un día completamente normal y al día siguiente encontrarte o pasarte algo que puede incluso cambiar el transcurso diario de tu vida.

Está claro que lo que me ha atraído la atención esta vez no es algo que vaya a cambiar mi vida desde luego, pero no deja de ser una sorpresa. Puedo esperarme cualquier cosa dentro de la música extrema, pero lo que no me esperaba para nada era encontrarme un grupo de tales características viniendo de un lugar tan alejado de la perspectiva que uno puede tener de un estilo como el Black Metal como es el Sur de África.

Así es, Wildernessking es una banda proveniente del continente más caluroso de todo el planeta, lugar que crean o no contiene cierta escena curiosa (no hay más que mirar Botswana, desde luego muy curioso lo de esa gente). Conocidos anteriormente como Heathens, este grupo recoge el sonido del Black Metal más enrevesado para moldearlo y transformarlo de manera que resulte suyo, a pesar de tampoco inventar nada nuevo. Para comenzar, sus ritmos son mucho más enérgicos y animados, con ciertos elementos progresivos aderezados con algunos riffs que pueden recordar a Opeth en su faceta más ruda (como al principio de Utopia). Además de ello, la banda presenta unas melodías muy propias de Agalloch que enriquecen enormemente el sonido de la banda (Surrender puede confirmarlo). El primer tema Rubicon es también una muestra de lo que se viene a decir, aderezando los riffs de Black Metal a tiro hecho con esas cuidadas melodías que le dan soltura al sonido de la banda.

Esto hace que The Writing Of Gods In The Sand sea variado y no se estanque en un cliché repetitivo, de manera que en un mismo tema podemos encontrarnos desde ritmos violentos hasta riffs con mucha potencia, pasando por momentos ambientales y relajados que dan variedad al asunto. La prueba de fuego que lo confirma es precisamente el tema que cierra el disco, Infinity, que pasa del blanco al negro a medida que avanza éste y nos va llevando por una serie de pasajes espectaculares.

Quizás esta serie de factores que influyen en su música hacen que Wildernessking, sin resultar nada nuevo bajo el sol, resulten frescos y atrayentes, y no sólo por la maravillosa portada que se cascan, sino por esa capacidad de recoger todos esos pequeños elementos y unirlos de manera que queden perfectamente enlazados, consiguiendo un resultado más que satisfactorio y convincente.

Un grupo que no me esperaba para nada con un debut más que prometedor, sin inventar nada nuevo pero cogiéndolo con elegancia para convertirlo en toda una aventura que más de uno debería experimentar. Uno jamás pensó que visitaría África de esta manera.



Puntuación: 9'75/10

Dodecahedron - Dodecahedron (2012)

¿Alguien se acuerda de Exivious? Seguro que sí. Se trataba de una banda formada por ex-miembros de los titánicos Cynic, lanzando en 2009 uno de los discos más majestuosos que se habían lanzado dicho año, un trabajo con un Metal progresivo elegante con muchos toques de Jazz, todo lo que uno podía esperarse de un proyecto venido de una banda de auténtico peso.

Sin embargo, parece que han caído rápidamente en el olvido, y es que desde entonces no se ha vuelto a saber noticias acerca de dicha banda hasta ahora, que se ha sabido algo de e... ¿qué? ¿Que éstos no son Exivious? Sí, claro que no lo son, pero se podría decir que lo son (en parte), pues esta banda cuenta con Michel Nienhuis, uno de los miembros del grupo del que he comentado hasta ahora, y encargado de la composición de este nuevo ser salido de la más absoluta nada.

Así, junto con otros músicos, nace este proyecto de Black Metal retorcido como la mente de un obseso maníaco, y cuyo nombre responde al de Dodecahedron, curioso nombre para una banda de este tipo. Como habréis intuido desde ya, poco tiene que ver esto con Exivious, pues se posiciona en las vertientes más negras y esquizofrenoides del Black Metal (valga la redundancia en cierto modo), pero no cambia mucho en las formas de hacerlo, ya que a pesar de situarse en dicho ámbito, mantiene la complejidad y los entresijos de éstos, pues la idea de Dodecahedron se basa en los laberínticos entramados de la música progresiva, llevada hacia un filtro denso y demente.

A través de Season Of Mist lanzan su debut homónimo, una auténtica oda a lo elegante y lo asquerosamente hiriente en ambas dosis, capaces de introducirte en continuas y enfermizas evoluciones del Black Metal a través de la experimentación, de jugar con las atmósferas para convertirlas en formas cúbicas perfectas y exactas en donde todo está colocado a la perfección en un orden total y absoluto de las cosas (de ahí su nombre, supongo). Conseguir que algo tan reacio a los cambios como el Black Metal pueda expandirse como un flujo líquido y se vaya volviendo cada vez más complejo y variado es algo que pocos pueden presumir de haber logrado, pero con Dodecahedron todo ello es posible, consiguiendo que éste se adapte y asuma los cánones del progresismo a través de composiciones harto complejas, aderezadas por atmósferas lúgubres a través de elementos electrónicos que conforman un mundo de absoluto horror (caso de Descending Jacob's Ladder) y tomando prestadas algunas ideas de bandas como Deathspell Omega para desarrollar su mundo (claro ejemplo con Vanitas, en donde algunos de los pasajes que construyen son claramente prestados de los franceses, con voces robóticas y mil disparidades más).

¿Qué quiero decir con todo este montón de palabras sin sentido? Pues que Dodecahedron lleva el Black Metal hacia terrenos que, si bien son algo familiares, son algo nuevos, y todo gracias a la experiencia de sus músicos comandados por la inspiración y composición de Michel. Y si no crees que sea así, querido lector, es porque no has llegado todavía a la trilogía de la muerte, conocida como View From Hverfell, en donde introducen absolutamente de todo: tránsitos por mansiones y castillos embrujados, riffs aniquiladores, cambios de ritmo inesperados y que te dejarán KO en cuestión de segundos... y mucho mucho más.

Un paso hacia la perdición, un salto hacia lo desconocido, eso es lo que supone Dodecahedron desde el primer segundo de escucha. Si estás dispuesto a desaparecer para siempre, sólo tienes que darle al play.



Puntuación: 10/10

Oranssi Pazuzu - Kosmonument (2011)

Más de uno recordará hace ya cosa de un año verme hablar sobre una banda de Finlandia que practicaba un Black Metal muy peculiar, un Black Metal que se introducía en una senda más oscura de lo común incluso para un género como éste gracias a la presencia de elementos como la psicodelia y, en cierta medida, el Space Rock, dando lugar a un trabajo sumamente personal y grandioso a la par. Muukalainen Puhuu no tardaría en convertirse en uno de los mejores trabajos del género en su año, mostrando así una banda con un altísimo potencial que le ayudaba a pasar entre los más grandes del Black Metal más retorcido sin verse eclipsado por ellos.

Pues bien, dos años han pasado desde el debut de Oranssi Pazuzu, y he aquí que nos encontramos ante su segundo disco, titulado Kosmonument, y que viene a demostrar una vez más rienda suelta de la capacidad que tienen como banda de lanzarnos al espacio a través de su magnífica manera de conjugar espacios enteros a través de sus pasajes en donde la realidad se torna confusa y se distorsiona para mostrarnos una ilusión que nos atrapará irremediablemente. Quien conozca ya a la banda sabe de lo que capaces que son a la hora de hacernos volar la mente de una manera enfermiza y claustrofóbica, y éste no será la excepción, pues Kosmonument tiene una extraña manera de hacernos sentir como en los 60's, de devolvernos atrás en el tiempo, solo que de la manera que nunca nos habríamos esperado, tanto como lo hacía su anterior disco.

Temas como Sienipilvi o la fantasmagórica Komeetta derrochan la misma capacidad y calidad que Muukalainen Puhuu, si bien este nuevo disco presenta algunas variaciones respecto a su hermano mayor que los hace jugar con las atmósferas y pasajes retorcidos como títeres a su control. Luhistuva Aikahäkki es un claro ejemplo de ello, un tema meramente instrumental y en donde Oranssi Pazuzu se remanga la camisa para empezar a trabajar en una sucesión de elementos psicodélicos y, por qué no decirlo, progresivos con un ligero toque propio de los elementos del Avant-Garde para ofrecernos un tema que bebe muchísimo del Rock progresivo de los 70's, solo que bajo el manto oscuro del Black Metal, confiriéndole ese toque misterioso y abrumador que los caracteriza. Esto demuestra una vez más la capacidad de estos fineses de alterar el Black Metal para ofrecernos una versión mutada de éste, dejando claro que con ciertas dosis de algo tan inusual como la psicodelia en un género como éste se puede resultar mucho más enrevesado y a la misma vez elegante. Maavaltimo es una buena muestra de ello, en donde el Black se envuelve majestuosamente en esas capas hipnotizantes de psicodelia que van conformando al tema.

Por supuesto Kosmonument presenta algunos esquemas que lo distingue de su predecesor, y que se basan en temas con mucho regusto propio del Dark Ambient bañados una vez más en charcos de ácido a través de ese majestuoso teclado que confiere ese toque espacial junto con las atmósferas opresoras del resto de integrantes, así se puede notar en temas como Siirtorata 100 10100 o ∞, los cuales son todo un viaje hacia lo desconocido. Añádele a éste unos cuantos temas que te dejarán descolocados como pueden ser Loputon Tuntematon o Andromeda, et voilá!, ya tenemos uno de los mejores discos que nos brinda este año.

Si aún hay gente que considera que el Black Metal ya no puede dar más de sí, es posible que todavía no se haya encontrado con estos tíos por las calles de la música. Seguramente le darían argumentos más que convincentes para replantearse la cuestión a través de su música.



Puntuación: 10/10

Wolves In The Throne Room - Celestial Lineage (2011)

Los lobos han vuelto a aullar a la luz de la Luna. Desde que se anunció la llegada del nuevo trabajo de una de las bandas que abanderan toda esa nueva horda de grupos englobados en lo que se conoce como Cascadian Black Metal, el revuelo formado no fue poco. 2 años después de la salida del gran aclamado Black Cascade, la gente pedía un aullido más, y éste no se ha hecho más esperar. Finalmente sale a la luz, cual parto prematuro, Celestial Lineage, que comprende un ligero cambio en la trayectoria habitual de la banda, y que lleva a éste a confinarse finalmente como uno de esos grupos que pasarán a la posteridad cuando su existencia se desvanezca, merced a una delicada música recogida en la más oscura conformación sonora que envuelve al grupo en un halo mayor de misterio y añoranza a la misma vez.

Y lo cierto es que da la sensación de que hayan pactado con el mismísimo Diablo, pues han vuelto a cascarse un disco que va más allá de las reglas impuestas en la música, pues Celestial Lineage es posiblemente el trabajo que más te adentra en su mundo fusionado con la naturaleza, donde los viajes espirituales y el contacto con la energía de los bosques está a la orden del día. Y todo ello se debe gracias a un ligero cambio en las coordenadas musicales hacia un camino mucho más atmosférico que te penetrará como si un espíritu indio se tratara.

Buena cuenta de ello da desde un principio Thuja Magus Imperium, que con su colosal comienzo que te adentra en todo un mundo plagado de árboles, donde se respira aire puro, y donde unas sensuales voces femeninas te arrastran hacia su interior, consiguen meterte de lleno en la atmósfera que emana Celestial Lineage, para dar paso a un estallido de furia blacker que se va formando a medida que el tema avanza junto con unas delicadas melodías que se van acolchando en la base rítmica infernal de la batería, para finalmente sumirte de nuevo en un nuevo pasaje ritual en el cual Permanent Changes In Consciousness será tu guía, interludio por el que pagaría más de lo que vale.

Tras éste, nos lanza directamente hacia Subterranean Initiation en donde no hay lugar para descanso y arranca desde el principio con una ejecución rápida y mortífera, mientras unos coros celestiales (valga la redundancia) vienen y van como espíritus de bosque en toda la amalgama de sonidos oscuros y veloces, con todo ello para tirarte nuevamente hacia Rainbow Illness. Tras éste, se materializa Woodland Cathedral, que con un comienzo agónico mezclado con unas dulces y melodiosas voces femeninas cual ninfas convierten el tema en una especie de suerte de Sunn O))), solo que llevado al musgoso mundo de WITTR. En ese aspecto se podría decir que Celestial Lineage bebe bastante del Doom Metal a la hora de crear esos ambientes extensos y densos, algo que al menos un servidor no recuerda presenciar en Wolves In The Throne Room anteriormente.

Y finalmente llegamos a los dos temas que mejor definen a WITTR: Astral Blood y Prayer Of Transformation, los cuales no le faltan nada para ser un tema 100% propio de los lobos: velocidad, melodía y subidas y bajadas bruscas de ritmo, que van desde introducciones acústicas y atmosféricas que ofrecen Astral Blood, hacia el sonido lúgubre, lento y pesado de Prayer Of Transformation, cerrando con la más absoluta calma.

Un ligero cambio en los vientos de la banda que le llevan a entrar más en contacto con la Madre Naturaleza, y que les propicia una vez más el mayor status como banda que puedan tener, pues lo suyo no es sólo música: es magia.



Puntuación: 9'5/10

Circle Takes The Square - Rites Of Initiation (EP) (2011)

Al final voy a tener que preocuparme con esto de los EP's, pues en este año parece que he esperado más de los que podría haber deseado en toda mi vida. Si hace no mucho hacía mi primera reseña de un EP en el foro con el Sleep Paralysis de Brutality Will Prevail, hoy le toca el turno a algo más que un simple Extended Play: es nada menos que el regreso de una banda que dio mucho de qué hablar hace años atrás, exactamente en 2004 cuando lanzarían su primer trabajo, As The Roots Undo.

Circle Takes The Square surgió allá por el año 2000 en el Estado de Georgia. Por aquel entonces nadie se imaginaría que un grupo como éste recogería la esencia del Screamo (e incluso por momentos, del Emoviolence) de los 90's propio de los Orchid y grupos derivados, sino que además se atreverían a exprimirlo mediante unas composiciones y ritmos enrevesados y complejos que transformarían el estilo en una auténtica locura mental. Así como si de unos 1905 metidos en una centrifugadora se trataran, CTTS lanzaban, tras algunos toqueteos previos aquí y allá (entre los que se incluye un split con Pg.99), su disco debut que suponía todo un viento de aire fresco a la cara de Screamo en donde lo experimental y lo progresivo se daban de la mano, conformando temas con una complejidad que se escapaban del entendimiento humano, y donde todo eran subidas y bajadas de revoluciones pero a una velocidad vertiginosa, en pos de una técnica y una mala baba que haría dejar en paños menores a cualquier osado.

Pero claro, parece que se tomaron unas vacaciones bien largas tras ello, pues después de su As The Roots Undo no se volvió a saber nada más de su actividad, hasta el punto de pensar muchos de que se habían retirado... hasta este año, que parece ser que han vuelto a dar señales de vida, exhalando un nuevo aliento vital que se traduce en un nuevo disco, titulado Decompositions: Volume I, y que está previsto para ver la luz en Noviembre de este año. Mucho ha tenido que pasar para que este nuevo trabajo pueda surgir definitivamente, hasta el punto de pedir donativos a sus seguidores para poder sacar el trabajo hacia delante (no me parece muy agraciado esta decisión, pero bueno...), pero parece que ya está todo listo para engendrar la nueva bestia parda.

Pero para ir abriendo boca a todos aquellos que esperaban con ansias lo nuevo de estos chicos, han decidido lanzar un EP a modo de "adelanto" de lo que vendrá a ser su próximo disco. Éste, conformado como capítulo y titulado Rites Of Initiation, encierra 4 temas que lo más seguro contendrá Decompositions: Volume I, y que da una muestra de por dónde irán los tiros con su nuevo trabajo. Y el resultado es nada menos que unos CTTS con las pilas más cargadas que nunca, solo que con algunas variaciones que se perfilan en mayor presencia de medios tempos y en tránsitos más relajados, pero manteniendo siempre el sello distintivo de la banda, el cual se traduce en unas ejecuciones rápidas y caóticas a doble voz entre Drew Speziale y la bajista Kathy Coppola, a través de una técnica y una complejidad desmesuradas.

El EP arranca con Enter By The Narrow Gates, tema que ya se podía escuchar en sus adelantos anteriores, y el cual ya comienza mostrando ese ambiente relajado (dentro de lo que se entiende como "relajado" en CTTS), y que se va perfilando en pequeños tránsitos propios del Post-Rock, pero siempre bajo la manta característica propia del grupo, y donde destaca sobre todo por la variedad de voces que presenta el tema, que va desde los más calmados a los más rabiosos, ya bien sea a través de Drew o de Kathy. Tras este, llega Spirit Narrative, que rompe con toda la calma para mostrar el verdadero rostro de la banda, que va desde unos riffs rápidos y contundentes sin tiempo a descanso, al continuo cambio de voces entre los dos pilares básicos de la banda ya mencionados, dejando claro que a pesar de todos estos años, la banda nunca ha perdido el norte para nada.

Luego llega Way Of Ever-Branching Paths, donde se podría decir que es la fusión de los dos temas mencionados anteriormente, en donde los pasajes más calmados se intercalan con puros arranques de odio descontrolado. Y ahora es cuando suelto la mayor bizarrada que uno jamás esperaría escuchar (o leer): ciertos riffs en la guitarra me hacen incluso recordar a los Mastodon del Crack The Skye. La manera en cómo suenan las guitarras, más cómo van intercalando los ritmos en todo momento junto con esa técnica tan fuera de control que muestran, me recuerda a los arranques más rápidos de los mastodontes en su trabajo del 2009, todo esto hasta que estalla todo por los aires y reina de nuevo la tranquilidad mediante unos pasajes calmados para ir subiendo nuevamente los decibelios poco a poco.

Y finalmente cierran con The Ancestral Other Side, el tema que más me sobra en el EP, sobre todo en los últimos minutos, donde se vuelven tan locos que al final no sabes ni qué demonios estás escuchando. En ese aspecto podrían haber descartado ese tema y podrían haberlo bordado sólo con los 3 anteriores, pero me temo que este último es la oveja negra del trabajo, lo cual le resta varios puntos.

Un buen "preview" para ir calentando al personal antes de la llegada inminente de su nuevo disco, y con ello quién sabe, del propio apocalipsis. Y lo cierto es que tras éste, uno preferirá que no haya nada más después.



Puntuación: 7/10

Ghost Brigade - Until Fear No Longer Defines Us (2011)

Antes de empezar con la entrada de hoy, quiero anunciar algunas actualizaciones nuevas:

- En primer lugar, he habilitado un correo electrónico para todo aquel que quiera enviarme un mensaje directo respecto al blog. No creo que vaya a explotarme la bandeja de entrada de la noche a la mañana, pero nunca está de más tener siempre un e-mail a disposición del público, así muestro algo más de "profesionalidad". Todos los detalles se encuentran en la columna de la derecha.

- En segundo lugar, me he tomado el lujo de crear una página Facebook del blog en donde iré poniendo las actualizaciones de éste además de otras cosas exclusivas de la propia página. Podéis entrarn en él haciendo click en el logotipo de Facebook que se encuentra a la derecha. Quizás en un futuro haga un grupo del blog en LastFM, que suele tener más acogida al ser una página dedicada exclusivamente a la música, pero de momento os dejo mi cuenta de LastFM por si alguien desea añadirme a su lista (y así observar lo perro verde que soy en cuanto a gustos musicales). Todo ello, en el logo de la derecha.

Y ya por fin podemos empezar a dar guerra desde por la mañana, y hoy lo hago con nada menos que lo nuevo de una banda que poco a poco va escalando la cima del Death/Doom hasta ponerse a la altura de bandas como Swallow The Sun o Novembers Doom, porque desde luego capacidades no le faltan. Confirmados para el próximo Madrid Is The Dark Fest con grupos de la talla de Ahab, 40 Watt Sun o Skepticism (al que me temo que tendré que quedarme también en tierra firme, maldita isla...), estos fineses ya mostraban agallas por 2007 con su colosal Guided By Fire, en pos de un Doom/Death que se desmarcaba de todos los grupos preconcebidos anteriormente para introducir pasajes más progresivos y de esta manera ir por donde les llevara el viento. Dos años después lanzarían su segundo trabajo, Isolation Songs, que despejaría toda sospecha de aquellos quienes posiblemente no quedaran conformes con lo que mostraron en su anterior entrega, otra recompensa que llevarse a casa. Ahora, vuelven a la carga con su nuevo disco, Until Fear No Longer Defines Us, en donde queda más claro los detalles del Doom/Death, pero sin dejar nunca de lado ese lado melódico y progresivo que hace de Ghost Brigade una banda única aún dentro de un terreno infectado de bandas del mismo estilo. De alguna manera u otra, han logrado encajar las últimas piezas del rompecabezas que le faltan para obtener el sonido perfecto, obteniendo así el equilibrio perfecto entre lo melódico y lo descomunal. Y es que Until Fear No Longer Defines Us está plagado de auténticos hits que destacan enormemente por la capacidad de atraerte cual sirena a su marinero a través de unas dulces melodías que te mecen como si de un recién nacido fueras. Comenzando desde ya con In The Woods con una pasmosa tranquilidad donde la paz campa a sus anchas en todo el transcurso del tema que te irá introduciendo a través de las guitarras y de la implacable voz de Manne Ikonen, que deja bien claro que tiene una voz que se induce en tu subconsciente de manera implacable como si de un virus letal se tratara, para romper con toda esa paz con Clawmaster, donde muestran un ejercicio de puro Doom/Death, un tema al que no le falta nada de ello, con el añadido de los elementos relajados de Ghost Brigade. En ese aspecto podría decirse que tienen ciertas similitudes con los últimos Paradise Lost, pero es que estos fineses muestran una capacidad para hacerlo tan suyo que al final acabarás olvidándote de los ingleses para centrar toda tu atención en la espectacular supernova que supone la música de estos chicos que estalla a cada momento de manera esporádica.

Todo lo que viene a continuación es un compendio de grandes temas que no dejarás de tararear una vez escuchados, y que van desde auténticas bombas detonadas como Traces Of Liberty con una fuerza y unos riffs ultra-vitaminados que aplastarán tus sentidos a golpe de guitarra y batería, hasta hitos que pasarán a la posterioridad como Divine Act Of Lunacy, que casi podría decirse que es un tema de radiofórmula por lo pegadizo que resulta dicho tema, sin dejar de mencionar a Breakwater, que con sus casi 9 minutos de duración se convierte en el tema más completo de todo el disco y quién sabe si de toda su discografía hasta ahora, con un comienzo más que grandioso y un desarrollo apabullante que va por pasajes insólitos que te harán sentirte dentro de un sueño y que se entremezclan con momentos que harán agitar la melena de más de uno al viento, todo ello calculado con milimétrica precisión para que nada se salga fuera del tiesto.

Toda una señor obra que se cascan estos señores y que más de uno disfrutará este Diciembre en Madrid cuando pongan un solo pie en el escenario, dispuestos a hacer vibrar hasta las ramas de los árboles más lejanos. Disfrutad de ello, pues.



Puntuación: 9'5/10

Primus - Green Naugahyde (2011)

Hoy es un gran día, sin lugar a dudas, porque levantarse por la mañana cargándose encima nada menos que el regreso de unas leyendas como Primus es como para alegrar hasta al más muerto. Y es que esta banda es de ésas a las que habría hacerle pleitesía y rendirle culto hasta el fin de los días, pues estamos hablando de toda una eminencia del Rock en todos sus aspectos, artífices del Fusion y del Rock más funkye, y que en su haber han dejado en constancia auténticos trallazos que a día de hoy muchos recuerdan con el puño en el corazón y una lágrima en la mejilla como Frizzle Fry (es escuchar John The Fisherman y ser poseído por una desconocida fuerza superior) o Tales From The Punchbowl.

Para muchos fue un dolor tremendo su separación en 2000, aunque no fue mucho que volverían a reunirse en 2003, eso sí, con muy poca actividad, más allá de dar varios actos en festivales y de lanzar un DVD/EP bajo el nombre de Animals Should Not Try To Act Like People, amén de un recopilatorio con sus mejores temas. Su actuación en el Azkena Rock Festival supuso la alegría de muchos, y del que parece que la gran mayoría salió con gran sabor de boca (maldita suerte de uno el vivir en una isla apartado de todo...).

Pues si eso no fuera suficiente para los presentes que estuvieron en dicho festival (y para todo el mundo en general), Primus vuelve, tras más de una década desde que saliera su último trabajo Antipop en 1999, a plantarse en estudio para hornear algo sabroso y fresco para que todos podamos degustar como posesos y volver a sentirnos llenos y satisfechos. Pero mucho antes de su salida oficial, alguien tiene el lujo de sacar del horno el pastel que todos esperábamos, y que han bautizado como Green Naugahyde. Y lo cierto es que es toda una delicia este postre, pues quién iba a pensar que tras muchos años en silencio, Les Claypool y los suyos aún tenían mucho que decir, pues su nuevo trabajo es toda una hostia en la cara para los insolentes que no esperaban nada de su regreso, porque esto es todo un ejercicio del buen hacer, de la elegancia musical y de la pura diversión. Con la friolera de 13 temas por delante, Green Naugahyde se planta como el disco de regreso que muchos matarían por tener, pues es como si la inspiración nunca se hubiera ido de ellos en todos estos años. Es más, diría que todo este tiempo les ha servido para ir puliendo todos los detalles y reforzando tuercas para que nada salga mal a la hora de su lanzamiento. En esta ocasión cuentan a la batería con Jay Lane, un tío bastante experimentado en este tipo de estilos a juzgar por su trayectoria. Claro, par alguien como yo habría sido redondo que volvieran a tener al batería con el que nos brindaron mejores momentos, ése es, Tim Alexander, pero tampoco lo hace nada mal Jay.

Uno de los aspectos que a uno más le ha llamado la atención de Green Naugahyde es que posiblemente sea uno de sus trabajos con un enfoque más "serio", por decirlo de alguna manera. Desde luego no te vas a encontrar temas con tanta fiesta como el que perfilaba Wynona's Big Brown Beaver, por poner un ejemplo, lo que no quita que tenga temas con mucha garra y enganche como HOINFODAMAN. Esto quizás se deba a su lado más progresivo, pues Primus siempre ha sido muy devoto del Rock progresivo setentero como King Crimson o Pink Floyd, el cual se hace muy patente en temas como Jilly's On Smack, donde hacen gala de una progresión y una psicodelia que ríete tú de las bandas que surgen hoy en día de Rock psicodélico. Eso, por no hablar también de la influencia tan clara que siempre han recibido de Mr. Bungle, y que se muestra claramente en temas como la bizarra Extinction Burst, con unos coros la mar de extraños.

Otra cosa que queda una vez más demostrado es que Les Claypool es un auténtico monstruo al bajo, el cual lo usa como si fuese una extensión más de su cuerpo, una extremidad, haciendo con él lo que le da la real gana, y que queda bien claro en temas como la magnífica Eyes Of The Squirrel, tema por el que muchos venderían un riñón y a su madre por componerlo. La manera de ejecutar con esa velocidad desorbitada y haciendo que se haga bien presente (como tiene que ser en toda producción Funk), hace que uno tenga que romperse las rodillas para rezar a este hombre que está a un paso de convertirse en una entidad divina. Añádele auténticos trallazos que retumbarán en tus oídos por su complejidad y por su grandiosidad como Last Salmon Man, y otros con un ritmo enormemente pegadizo como Lee Van Cleef o Moron TV, y ya tienes listo una maravilla más en la que sentarte a disfrutar.

Mucho van a tener que aprender otros de Primus para saber cómo volver por la puerta grande y plantarse un señor disco con dos cojonazos. Y sin inmutarse siquiera.



Puntuación: 10/10

Letlive - Fake History (2010)

He de reconocer que en estas últimas semanas tengo una etapa de Hardcore en lo que se dice en todas sus facetas que no es ni medio normal... aunque en realidad sí que lo es, no es extraño que todos tengamos épocas en las que prefiramos escuchar una u otra cosa. Y cuando te encuentras joyitas como ésta, te sientes bastante a gusto según en qué terrenos. Porque lo que sí que no es normal es que te encuentres con una cosa como ésta y la deje uno pasar por alto. Ahí me atropellen.

Porque pocas veces se hace algo como lo que hacen estos chicos originarios de Los Ángeles. Letlive no son nuevos en esto, llevan desde 2002 dando cera por los escenarios y teloneando a bandas como Enter Shikari o Underoath. Mal, porque demuestran potencial suficiente como para convertirse en una banda muy a tener en cuenta, y que podría barrer a más de una sin despeinarse. Su último disco Fake History (lanzado en 2010 bajo el sello de Tragic Hero y relanzado este 2011 bajo Epitaph) ha llegado a ser declarado uno de los mejores discos de Post-Hardcore del pasado año, y no me extraña, pues han logrado volver a llevar un estilo como éste a terrenos sólo explorados por bandas como Glassjaw o At The Drive-In, siempre con una personalidad innata y por la que muchos matarían para conseguir sacar un disco como éste.

Y es que Letlive es un compendio entre el mejor Post-Hardcore de antaño y el progresivo, logrando así una diversidad de temas que convierten a Fake History en todo un cuadro del Cubismo a exponer para los oídos. Presenciar ramalazos rabiosos y efectivos a través de una ejecución instrumental majestuosa y una voz que mezcla las melodías más pegadizas y los gritos más aplastantes al frente de Jason Aalon en temas como We The Pros Of Con al más puro estilo Glassjaw entremezclados con bellas piezas musicales que se van desarrollando como un feto en vientre como en la espectacular Muther, donde las progresiones van dando forma a un tema que no puede acabar de mejor forma, con unos últimos minutos con mucho refuerzo jazzero y mucha influencia de Mr. Bungle, la misma de la que han bebido The Dillinger Escape Plan para su Option Paralysis (de hecho, probad a escuchar Farewell, Mona Lisa y luego este tema, y buscad las 7 diferencia), va dando razones más que suficientes para poner a esta belleza musical donde se merece, todo ello con ciertos ramalazos modernos que vienen principalmente a cargo de Jason y sus voces melódicas.

Y por si fuera poco, todavía queda más espacio para otras influencias, incluida las de bandas como Every Time I Die y que se puede presenciar en temas como Homeless Jazz o Renegade 86'. Además, para aquellos quienes adquieran la edición lanzada por Epitaph, disfrutarán de dos temas más: un Hollywood, And She Did muy pegadizo, y un This Mime (A Sex Symbol), una prueba más que fehaciente de la influencia que reciben de los difuntos At The Drive-In, con un Jason marcándose unos registros de los que Cedric se sentiría muy orgulloso.

¿Quién dijo que la música estaba muerta? Jé, ilusos...



Puntuación: 9/10

Forge Of Clouds - Forge Of Clouds (2011)

Quien pueda afirmar que haya vivido sin mirar ni una sola vez al pasado, miente. El tiempo se conforma de éste, del presente y del futuro, y no es ajeno a los humanos: vivimos el presente con expectativas hacia el futuro... pero de vez en cuando miramos hacia el pasado. No sabemos por qué, casi es un acto involuntario hacerlo, quizás porque deseamos regresar a ciertas etapas de nuestra vida que fueron brillantes, o directamente porque somos masoquistas, pues el pasado puede doler, más que cualquiera estocada, más que cualquier puñalada, más que cualquier daño físico. Porque el pasado no sólo nos hace recordar de dónde venimos y nos arranca una sonrisa. También hiere, y esas heridas son de las que no cicatrizan jamás.

¿A qué viene todo esto? Bueno, creo que a partir de ahora, cada vez que mire hacia el pasado, escucharé en mi cabeza este disco, pues representa perfectamente cómo es mi pasado: como si hubiera sido un apocalipsis y ahora mismo esté viviendo una nueva etapa de la humanidad. Forge Of Clouds es prácticamente desolación, dolor, pero embellecido bajo una capa de armonía que te hará dudar de su naturaleza. Pocas veces te encuentras un disco que consiga atarte hacia una pared para jugar con tu subconsciente mientras te distrae de toda la carnicería que empezará a hacer contigo mediante unas melodías que desviarán tu atención, como ese pervertido que se hace pasar por el hombre de los helados y engatusa a los inocentes niños para otros fines más perversos. Formados en Polonia en 2008, Forge Of Clouds es como un pronóstico, de algo trágico que va a suceder, como una tempestad que empieza a formarse a partir del ojo del huracán, y que tarde o temprano te atrapa... con la diferencia de que no opondrás resistencia, pues su manera de mezclar elementos del Post-Metal, el Sludge y el progresivo convierten su música en una espiral de aura maravillosa, pero a la vez gris, como esa tarde nublada y lluviosa que te relaja, a pesar de entristecer el cielo. Su disco debut homónimo deja bien claro que su música no está hecha para ganarse la simpatía de nadie, simplemente querer hacer lo que más les llena, lo que les mueve y les hace sentir sí mismos, y con un poco de suerte encontrar a personas que se sientan identificadas con lo que realizan: ramalazos rápidos y mortíferos aderezados con pasajes melancólicos que harían mecer hasta la bestia más despiadada conforman los 8 cortes en los que se divide la anatomía de este disco. Y tan pronto como se te encaran como un toro enfurecido con 151, se acercan y apoya su mano en tu cabeza como un hermano mayor en Ten. Y ver cómo los temas se van desarrollando como un organismo vivo y se va tejiendo con hilos progresivos, desarrollando unas texturas musicales bellas, tenebrosas, desesperantes, esperanzadoras, desarrollando una especie de guerra entre el bien y el mal en su trabajo, hacen que Forge Of Clouds se convierta en uno de esos trabajos hechos para ser testigo de una serie de emociones que para estar sentado juzgándolo como un experto crítico. Es más cosa de filosofía que de ciencia, no necesitas pruebas empíricas para saber si es un disco de absoluta grandeza, sólo necesitas dejarte llevar hasta donde te lleve, como si fuese un viaje en tren hacia ninguna parte, ya bien sea a base de pasajes psicodélicos propios de una película experimental como en Boot, o a base de melodías de guitarra que irán preparando el lugar donde te acurrucarás como un bebé dormilón como en Shame.

A partir de ahora, miraré hacia el pasado con otros ojos: con los ojos de Forge Of Clouds.



Puntuación: 10/10

*Shels - Plains Of The Purple Buffalo (2011)

No hay nada como comenzar un buen día con buena música, con algo que te haga vibrar, con algo que te anime y te inspire la mañana. Cuando sientes que aciertas en ese aspecto, notas como si el resto de la tarde fuera a convertirse en un día glorioso, estupendo, maravilloso. Prácticamente digo todo esto porque ésa es la sensación que me está produciendo el nuevo trabajo de esta banda que ya venía haciendo ruido desde hace unos meses atrás, y con razón...

Pero antes de profetizar como un mesías, hay que hacer las presentaciones pertinentes para aquellos quienes no los conozcan, obviamente: *Shels es una banda renacida entre las cenizas de los ya extintos Mahumodo, tomando su nombre del título de uno de sus trabajos, Shels. El sonido de Mahumodo serviría de total inspiración a sus miembros (obviamente), y mientras que unos formarían la banda de la que hoy trato, otros darían paso a otra banda bastante conocida en el panorama: Devil Sold His Soul. De hecho, si hacemos la comparativa entre un grupo y otro, notaremos que tienen ciertas cosas en común en su música.

Sin embargo, *Shels presenta elementos que ni siquiera Devil Sold His Soul muestran, y eso es algo que se puede apreciar en su nuevo disco Plains Of The Purple Buffalo. Partiendo del Post-Rock como principal baza para su composición, *Shels es un constante flote entre varios elementos que ni siquiera el propio género muestra normalmente, y eso es gracias a las influencias que muestra. Y ya os digo, su nuevo disco es toda una experiencia, un viaje hacia un mundo de ensueño. Comenzando con Journey To The Plains, desde el primer instante ya notamos el primer detalle que nos acompañará durante toda la travesía del disco: las trompetas. Y es que si hay algo que abunda en Plains Of The Purple Buffalo, son las trompetas, tanto o más que las vuvuzelas en la Mundial del 2010 (eu...), siendo el primer "toque distintivo" de la banda, y que los define entre otras muchas bandas del estilo.

Otro aspecto son la infinidad de contrastes que encontraremos en el disco. Retomando Journey To The Plains, la influencia del Post-Metal (sobre todo en las guitarras) es más que latente, y ya sobre Mahumodo ni te digo, por todos esos ramalazos Post-Hardcore ambientales que también han tomado prestado Devil Sold His Soul para su música. Voces acordes a este género y que sean bastante claras se pueden apreciar en el tema homónimo, dividido en 2 partes, donde la segunda mitad destaca por la cantidad de cambios de flujo en su música que experimenta, amén del dúo de trompetas del que seremos testigos en éste.

Pero lo que de verdad hace más grande a este disco (y por ende, a la banda), es que en ningún momento retomarán ningún ritmo, ningún riff... nada. *Shels no pretende hace de su música 2 temas pegadizos que hagan mover el esqueleto fácilmente a la gente, sino que buscan dar un viaje estelar al oyente, proporcionarle una experiencia única, como si estuvieran leyendo un libro con los instrumentos. Y os aseguro que Plains Of The Purple Buffalo parece un cuento de hadas, además de presentar unos temas la mar de curiosos. Como Searching For Zihuatanejo, que da la sensación de estar escuchando a un grupo de hadas pequeñas empapadas en ácido lisérgico dando vueltas a tu alrededor.

Yo ya os he explicado la sinopsis. Ahora sólo os queda a vosotros destripar por vuestra propia cuenta el final. Si hay algo a lo que achacarle al disco es su excesiva duración, pero bueno, Plains Of The Purple Buffalo es casi como una película narrada con música, y las películas no duran 2 minutos precisamente.



Puntuación: 9'75/10

Baring Teeth - Atrophy (2011)

Si buscamos la palabra "abstracto" en el diccionario (para más comodidad desde aquí, en la RAE), encontramos una de las siguientes definiciones:

adj. Dicho del arte o de un artista: Que no pretende representar seres o cosas concretos y atiende solo a elementos de forma, color, estructura, proporción, etc.

Bien, esto me hace plantear la siguiente pregunta: ¿Puede la música ser abstracta? Mi respuesta es que sí. Como un arte más, la música puede romper los esquemas propios de ésta para centrarse en patrones que busquen bien una complejidad, bien una melodía, una técnica, un concepto, etc. Por ejemplo, el Drone no se basa en la técnica ni en algo que se pueda atribuir a algo complejo en términos de ritmos, variantes y demás, pero no se puede negar el hecho de que su propia propuesta sea ya de por sí abstracta.

Por otro lado la técnica también puede tener un sentido abstracto dependiendo de la sensación que se quiera transmitir, y algo así podría decirse que es lo que intenta demostrar Baring Teeth, la nueva propuesta de Willowtip Records, sello dedicado a todas esas bandas brutas de Death Metal y Grindcore en todos sus aspectos, y con bandas de la talla de Odious Mortem, Squash Bowels o Ulcerate. Y precisamente a estos últimos son los que más podrían asemejarse estos chicos provenientes de Texas (Estados Unidos), pues perfilan un Death Metal técnico apabullante y desolador entrelazado con unas atmósferas altamente perturbantes. No sólo eso, sino que también profetizan en toda su amalgama de cambios rimbombantes de ritmos y contrastes una progresión digna de los últimos Gorguts establecidos.

Atrophy es el álbum con el que abren sus puertas hacia un mundo donde todo cuelga del revés, y que se irá adentrando en terrenos diversos y angostos a medida que éste se vaya desarrollando. Con temas como el homónimo Atrophy, End o Distilled In Fire, se va presagiando la dirección que irá tomando la banda, merced a una técnica increíble que para nada se vuelve harto cansina y que irá cediendo hacia un terreno ambiental propio de una caverna profanada por una secta satánica, y que se puede ir apreciando a partir de Vestigial Birth, pero más todavía en Scarred Fingertips. Es increíble pensar que todo ante lo que uno es testigo en este disco está realizado por un simple power trio compuesto por guitarra, bajo y batería. Tan simple como ello, al más puro estilo Ulcerate. La técnica perfilada vuelve a manifestarse en The Dead Hand y su ir y venir de riffs que va a darte la sensación de estar escuchando el doble de instrumentos de lo que es, cosa que se repite una vez más en Anti-Holy para cerrar con los más de 12 minutos que conforman Tower Of Silence y que más de uno desearía tener como tema en su propio disco, con una progresión y una atmósfera lenta y oscura al final de éste, dando la sensación de estar flotando en la mismísima nada por los siglos de los siglos.

Si aún piensas que no se puede hacer algo enrevesado en la música, escucha Atrophy y quizás cambies de opinión.



Puntuación: 9'5/10

Pyrrhon - An Excellent Servant But A Terrible Master (2011)

Después de varios días disfrutando de un ligero descanso en el que no he tenido que preocuparme de nada más que de dormir plácidamente para el día siguiente, volvemos a la senda de lo abstracto y lo extraño con uno de esos trabajos que dan de qué hablar, y mucho, pues lo que viene a continuación es algo tan extraño como el propio concepto de la vida. En un mundo en donde hoy en día el Metal cada vez se ahoga más en la oscuridad, no es de extrañar que grupos como Pyrrhon comiencen a mostrar elementos que ya recogen algunas bandas como Ulcerate, Portal o los Mitochondrion. Y como si de un viaje hacia el subconsciente del ser humano, o hacia las profundidades más remotas de la Tierra, los grupos se van zambullendo en un terreno cada vez más negro, en una eterna caída sin fondo.

Pyrrhon es una banda formada en Estados Unidos, para ser más precisos en la ciudad de Nueva York, allá por el 2008, y que tras cierto material previo, lanzan su debut bajo el nombre de An Excellent Servant But A Terrible Master. Su estilo está posicionado exactamente en el Death Metal técnico, pero no os esperéis unos Necrophagist o unos Obscura a la usanza, no. Esperaros algo parecido a Ulcerate, pero tampoco os esperéis a éstos completamente. Y es que Pyrrhon presenta un sonido tan extraño y sólido a la misma vez, que te hará preguntarte qué demonios es lo que tienes delante. Donde las atmósferas más bizarras se alzan en potencia en este trabajo, y con un sonido y una alta influencia de bandas de Black Metal atmosférico como el de Leviathan, amén de una progresión pocas veces vista en trabajos como éste, convierten a Pyrrhon en todos unos jóvenes prodigiosos a tener muy en consideración. Y tan pronto como están sumergiéndote en una espiral infinita a base de todo lo dicho anteriormente en temas como New Parasite o Glossolalian, te meten un tema de puro Death Metal técnico sin precedentes como en Idiot Circles.

Otra de los aspectos bastante interesantes a tener en cuenta es la voz. La variedad de tonos y de timbres, de registros que puede enmarcar Doug Moore al micro es tan amplia, que sumado al enorme contraste entre los temas de los instrumentos, dará la sensación de estar escuchando un grupo distinto, lo cual es de agradecer que presenten tal variedad ante todo. Con un registro que en momentos se acerca al de Tommy Rogers (Between The Buried And Me) y en otros se asemeja al de Devin Townsend (algo que se aprecia claramente en A Terrible Master), todo ello aderezado con voces graves y growls poderosos que irán arrancándote las costillas una por una cual cavernícola furioso.

Variedad y calidad en dosis iguales para un disco lleno de conceptos propios de unas mentes inquietas y ansiosas de nuevas expansiones dentro de sus deseos propios a nivel de músicos. Y así lo sigan demostrando de aquí a un futuro incierto.



Puntuación: 9/10

Coprófago - Unorthodox Creative Criteria (2005)

Hay veces en las que a uno le entra una pequeña nostalgia que le hace recordar irremediablemente en discos del pasado y a los que acude ipso-facto a ellos. Eso es lo que me ha pasado hoy, pues mientras se comentaba en un post del foro de la Rockzone sobre grupos de Math Metal, he recordado con gran alegría a Coprófago, una de esas bandas de la que muchos otros deberían tomar ejemplo sobre cómo crear una música colosal y personal aún dentro de un estilo que se ha ido conformando poro a poco en el transcurso de los últimos años.

¿Y qué es lo que tiene Coprófago que los hace tan especiales? En primer lugar, obviamente, su sonido: recogiendo la esencia de los mejores Meshuggah, facturan un Metal enrevesado y complejo que bebe mucho del Death Metal técnico, pero aportando ese sonido tan característico de los suecos, en lo que muchos definen como "Math Metal" (etiqueta que para algunos puede resultar absurda, pues toda la música en sí puede ser pura matemática, pero vaya, en algún sitio habrá que meterlos). Sin embargo, y lo que los hace únicos, es su manera de introducir elementos progresivos y puramente extraídos del Jazz para darle un viraje completo a su música de manera que obtienen una personalidad innata. ¿Lo que puede chocar más aún todavía? Su procedencia: Coprófago surge en las inmediaciones de Santiago de Chile.

Esto demuestra así entonces que da igual del lugar de donde procedas o el tipo de persona que seas, lo importante es lo que hagas. Y lejos de querer ser total reflejo del nombre de la banda, Coprófago apuesta por todo lo abstracto, lo extraño y difícil de comprender para el ser humano, básicamente como es su música. Unorthodox Creative Criteria es el último trabajo hasta la fecha que han lanzado en 2005, y que recoge todo lo que puedes encontrar en la banda: encierra técnica, progresismo, rabia y calidad por todos lados. Comenzando con ramalazos puramente Meshuggah, y cuyo registro de las voces es completamente similar al de Jens Kidman, en temas como Crippled Tracker o The Inborn Mechanics de compases muy similares a los suecos, pero con un ritmo mucho más marcado (pero que mucho), esto es solo la punta del iceberg de lo que podemos ver en Unorthodox Creative Criteria, y que mientras descendemos hacia las profundidades del disco como si viajáramos al centro de la Tierra, se podrá ir presenciando cómo se desarrolla el disco cada vez más y más.

Y mientras los elementos del Jazz y del progresivo se van intensificando mientras se desarrolla Unorthodox Creative Criteria, iremos viendo una complejidad pasmosa que recae sobre todo a la batería con Marcelo Ruiz y una técnica pasmosa pero que no serviría de nada sin la presencia del resto de instrumentos, en especial el bajo, que adquiere todo el peso del Jazz y de la técnica desprendida de manera vigorosa. Entrando en temas de pura técnica aplastante como Isolated Through Multiplicity, en donde se muestra el mayor ejemplo de lo que pueden llegar a hacer estos chicos, y terminando con dos pedazos de obra maestra como son Motion o Wavelength, en donde el Jazz se hace dueño supremo de todo el transcurso de ambos temas, el primero mucho más ambiental y de puro progresivo, y el segundo con algún que otro arranque violento, hacen de estos dos el broche de oro perfecto para cerrar un disco tan colosal como éste.

No hay lugar para la duda: Coprófago deja claro su implacable capacidad para facturar una obra de tal calibre como la de este trabajo, y que nos obligará a acudir a él como si de una misa los domingos se tratara. Y una vez más, demostrando que en cualquier país, por pequeño o inesperado que sea, puede salir cualquier joya grandiosa.



Puntuación: 9'75/10

Valborg - Barbarian (2011)

Hace cosa de un año aproximadamente, hablé acerca de una banda procedente de Alemania bastante curiosa e inusual, practicando un estilo que embarcaba elementos del Death Metal y el Rock dentro del auge progresivo. Su nombre era Island, y estaba formada por miembros de la banda que hoy lidera la entrada de hoy. Lejos de querer tomarse un descanso, y habiendo lanzado trabajos en los años anteriores sin pararse a recuperar el aliento, Valborg vuelve con un nuevo retoño bajo el brazo, que ha visto la luz entre la oscuridad y el dolor. Su nombre: Barbarian.

Dejando claro que el plato preferido de estos chicos es el progresivo, Valborg desfila entre elementos como el Death y el Doom Metal, bañados en una elegancia y a la vez en un manto de odio que conjugan en todos y cada uno de los segundos que dura Barbarian. Tras una intro breve y que deja bien claro lo que nos vamos a encontrar, el disco arranca con Astral Kingdom, perfecta carta de presentación en donde sacan a relucir su arsenal e ir abriendo fuego contra nuestros sentidos con una amalgama de riffs pesados, marcados y sobre todo efectivos que inundarán tu conciencia, apoderándose completamente de tu subconsciente para acto seguido enterrarte vivo con su potencial oculto. Las voces, que viajan en varios tonos, registros y timbres, procuran que el disco sea rico y variado y no caiga en la monotonía. A partir de Battlefield Of Souls, empezamos a notar la primera influencia clara y evidente: el sonido que grabó a fuego lento Celtic Frost con su monumental Monotheist. Este aspecto se nota claramente, y se refuerza enormemente en Exterminator, donde los recitales de la banda acompañando los golpes destructivos de guitarra dejan patente la influencia de Thomas Gabriel y compañía en el sonido de Barbarian.

Continuando con el viaje, Amethystine Skies refuerza el lado Doom de la banda con un pal de tuercas y unos solos minimalistas, lentos y oprimidos cual alma condenada. Y con todo ello, la mejor manera que puede terminar el disco es con un tema que cambia completamente la travesía de Barbarian, y que se deposita en Samantha Alive (previo a otro tema), en donde desatan su poder progresivo y cambian completamente el rumbo para presentar un tema que bien podría ser material de los Dream Theater perfectamente.

Un lujo de trabajo, que tiene tras de sí a unos excelentes músicos desconocidos para gran parte de la humanidad por desgracia, pero que seguirán ofreciendo minutos grandiosos por mucho tiempo.



Puntuación: 9/10

Zombi - Escape Velocity (2011)

La mitad del trayecto ya está recorrido, sólo queda esta semana para acabar con esta fatídica época de exámenes, y aunque el tramo final se debata con el examen más duro (mucho más duro me temo) de todos, esto hace que la cosa se convierta incluso en una aventura. Y ya que hablamos de aventuras, no convendría mal comenzar esta semana de la mejor manera con toda una experiencia fantástica a cargo de lo nuevo de esta peculiar banda. Hablar de Zombi es enfrascarse en toda una experiencia que te hará retroceder hacia el pasado, gracias a sus samples espaciales, deudores del propio Space Rock.

Pero la música de Zombi no se estanca únicamente en el "Space Rock". Bebiendo de bandas que van desde Genesis hasta Ozric Tentacles se podría decir, este dúo conformado por Steve Moore (conocido por sus colaboraciones en bandas como Lair Of The Minotaur, Red Sparowes y Sunn O)))) y Anthony Paterra se ancla en la batería, el bajo y un sintetizador únicamente y exclusivamente para conjugar una música que te retrocederá hacia el pasado, a la época de las recreativas y las películas de ciencia-ficción, para ser exactos. Muchos consideran a Zombi como la música perfecta para el mundo de Dune, famosa novela de ciencia-ficción, y lo cierto es que concuerdo en dicha afirmación. La sensación de estar surcando mares de arena a la velocidad del sonido es tal, que no me extrañaría que tomaran como referente el mundo de Frank Herbert para realizar su música.

Su propuesta atrajo rápidamente la atención de Relapse Records, convirtiéndose Zombi en el fichaje más extraño e inesperado del sello, y tras ello, lanzan su primer disco Spirit Animal, donde demuestran su potencial con un disco cargado de matices y esquemas que tomarían una vida eterna para destripar y entender en toda su plenitud dicha obra, y esto con pocos recursos, pero eso sí, bien empleados.

Ahora, con la llegada de Escape Velocity, la banda parece apoyarse mucho más en las piezas sintéticas de ésta para dar por sí mismo un trabajo diferente al anterior, pero que no cambia para nada en su visión espectral de las cosas. Con un teclado de velocidad vertiginosa que se puede apreciar en el tema homónimo de éste, la cosa arranca con un mayor apego a la música de Ozric Tentacles, pero sin ese punto tan lisérgico de los británicos, y mucho más ambiental y expansivo, cosa que se puede notar claramente en DE3, donde su músico adquiere un punto más emotivo con sus notas más agudas, sin dejar de parar nunca en el mismo ritmo, ritmo al que van introduciendo variaciones cada vez más enrevesadas y peculiares. Mayor énfasis en la Electrónica es lo que muestra este Escape Velocity, con una duración más breve.

La atmósfera, la música ideal para acompañar a juegos de la vieja escuela o para acompañar ese libro de historias que no se pueden encontrar en otro lugar que en sus páginas escritas y así recrear completamente el ambiente que quiere transmitir, eso es básicamente Zombi, un punto de conexión entre el oyente y el mundo que tiene delante suyo, un puente de la imaginación.



Puntuación: 9'5/10